The April 2019 Otocoto interview with Simon Godwin
Update 24 May: have added Simon Godwin's endorsement for Okada Masaki's Hamlet and also a snippet of the Hamlet show in Bunkamura
Simon Godwin was interviewed by Otocoto last April for his stage play “Hamlet”. Thus, I’ve translated the Japanese interview below for us to understand Godwin’s vision on the 2019 Hamlet starring Okada Masaki, Kuroki Hana et al.
It’s worth noting another interview of Simon’s from Japan Times (30 April 2019), this time in English, with the director mentioning how Okada Masaki was the reason that he (Godwin) chose Hamlet as his first stage play in Japan. The Japan Times article can be read here.
16 April 2019
Interview by Date Natsume
Translated by Icha
It will soon be three years after the passing of Ninagawa Yukio, a director who rightfully had the moniker of “The World of Ninagawa” and had been producing stage plays for around 10 years prior to his death. Now that the Maestro has passed away, the theatre world in Japan is facing a dearth of directors who cater for the masses. Yet, turns out, from such a darkness, some British theatre talents started to, and keep coming, to Japan to produce high quality stage plays along with Japanese actors and staff. Among such stage directors is the young champion, the highly esteemed Simon Godwin.
As the cherry blossoms bloomed, this bright gentleman came to Tokyo to produce “Hamlet” (starring Okada Masaki) as well as to pay tribute to Ninagawa (Yukio).
Q: Why would you, who are very popular in your home country, like to work in Japan for the first time, for 1.5 months no less?
Perhaps because of my being adventurous and having no attachments to the results. By going to an unknown place and working with new collaborators, there will surely be new discoveries about the play. It would be an enriching cultural exchange for each party involved. Even in the same setting, the way we see things when sightseeing is completely different from when we’re working. Thus, because this time I’m able to interact with a new culture, I feel like it will be a very valuable experience.
Also, in the last few years, some of my colleague directors said how they had a great time while working on their projects in Japan, which did encourage me. Afterall, this invitation came from a theatre (Theatre Cocoon) whose artistic director was the late Ninagawa Yukio.
I was very impressed when I saw some of the works that Ninagawa directed in London. The visuals were appealing. By depicting space as a magnificent spectacle, poetry inundated the stage. In other words, we are able to visualise the emotions contained in his works, strongly, extraordinarily and in such a grand fashion. It doesn’t mean that you feel an excessive emotion. Rather, it means that the emotions are depicted with such rare intensity and beauty. Yes, just like this waterfall (flowing into the garden where the interview was conducted); brimming with such a powerful beauty. Once they notice it, viewers are immersed in its hypnotic performance that taking their eyes off it would be difficult.
Q: Because he wasn’t the usual type of director one would encounter in the UK theatre world, Ninagawa had such a high popularity in England, right? Then, from where do you source motivations for your directing work?
That’s true. I try to tell stories using modern approach to contemporary audience. I try to keep the classics fresh and funny and show the contrasts between the bright sunshine and darkness. “Movements” are also particularly important. Once the actor moves, from there all actions become alive. I’m very particular in showing the flow of the whole story. In British theatres, there is a tendency to focus just towards what’s going on in our head. Perhaps that's why we strongly want to impart emotions from there.
[Icha’s note: I think I might have mistranslated this “head” or 頭 thing. If it is so, I apologise. The original text for the last sentence above is英国の演劇は頭だけに偏りがちなので、そこから離れたい気持ちが、強いのかもしれません。]
Q: In the past, British actors are often teased for moving nothing but the neck upwards.
That's right. So by using the body, we are thinking about strongly deconstructing the actors’ acting methods in a good way. I’m inducing the actors to catch one’s own body – not part by part but the whole body – and release it; to have more freedom and imagination, to welcome the challenge playfully.
Yet, let’s think about it. It’s not just about “becoming someone else than me”. It’s a transformation into a totally different person. For instance, let’s say I want to be “a Japanese interpreter”. It’s not enough that I only think of it in my head. The clues of my being a Japanese interpreter should be enhanced by utilising the rest of my body from neck down.
Q: It’s also a considerably difficult task for a Japanese cast to play “Hamlet, Prince of Denmark”, isn’t it? Two years ago, your stage-play of an all-African cast of “Hamlet” gained quite a popularity, right?
Yes. By setting the stage in West Africa, parts of the play – for instance the relationship between the dead and the living – are painted with such conviction as opposed to that of an English setting. In West Africa, people are slowly dying and there are signs of the unstable and volatile political situations. The reality was thus very much felt.
This time, it was interesting that the Japanese theatre folks told me that they wish to “stop having the Japanese setting”. As for myself, since I don’t know much about Japan, changing the setting to Japanese would not be a wise thing to do. I have to know much more about Japan for such an idea to be possible.
Speaking of “Hamlet”, my first encounter with him was when I was 17 years old when I played Hamlet in senior high school. My first production was also “Hamlet”, at the Cambridge University when I was 19 years old. That play was quite popular; it was also staged in South Korea and Washington DC. Thirty years later, I’m still embracing “Hamlet”. (laugh)
Q: What did you feel when you first play Hamlet?
I was fully aware how much energy and assistance Shakespeare gave me. I somehow felt very much welcomed into Shakespeare. It was a happy start.
Until now, we have staged the works of various authors. Even this summer in the London National Theatre, we are producing a new work of a contemporary writer. Yet, in recent years, the thoughts for Shakespeare are getting stronger within me.
The feeling is like, “Now, my cascading expressions are heading to Shakespeare!”
Well… how shall I put it? Somehow, I think that Shakespeare is such a great companion.
Ninagawa set me an example how Shakespeare can become a spring board. If bravely challenged, we can have fun and dance with Shakespeare.
Q: No matter how bold the interpretation is, if it’s Shakespeare, the play’s essence remains faithful to the original
I think there is a bit of Biblical charm in Shakespeare. There is a large space at the core of his plays that it cannot be concluded as just “This is it!”. Thus, to that end, can’t the actors, the stage director and the spectators be invited to gather at the theatre and given permission to fill in that blank space?
The first line in “Hamlet” is “Who’s there?”. From the moment the question “Who are you?” is asked, everything starts to move and change the drama. Perchance, the question of “Who am I?” is something that everyone continues to ponder in his/her life. Together with Hamlet, we start to think of this. Be it the actor, the director or the spectators, they should be able to receive such a vibration.
Interview/story: Date Natsume
Photography: Moriyama Yūko
Icha’s note:
Ninagawa Yukio-san passed away on 12 May 2016, hence by the time I uploaded this article, it has been three years now since his passing. Click here for my article about Ninagawa-san.
In the Intro, I translated お客を呼べる as “to cater for the masses; let me know if this translation is incorrect.
Update 24 May 2019:
The following is Simon Godwin's encouraging comment on Okada Masaki's Hamlet:
And this is a snippet of the Hamlet show, a promotion for Osaka's show. I wish the announcer didn't talk over Masaki's dialogs, but hey, better than not!
「世界のニナガワ」と呼ばれた演出家・蜷川幸雄が逝って、まもなく３年になる。蜷川は、晩年まで年間10本前後の舞台演出を手がけていたので、巨匠亡きいま、日本の演劇界は”お客を呼べる”演出家不足に直面中だ。 もっともそのお陰で、ここ数年英国演劇界の”旬”の才能が入れ替わり立ち替わり来日し、日本の俳優やスタッフと、ハイクオリティの舞台を創り出しているのも事実。サイモン・ゴドウィンは、そうした演出家の中で、もっとも高い評価を得ている若手エースだ。
岡田将生主演の『ハムレット』を演出するために、桜が咲き始めた東京にやって来た俊英は、ニナガワへオマージュを捧げることを忘れない、朗らかなジェントルマンだった。
——本国でも引く手あまたのサイモンさんが、ひと月半も腰を据えて日本で初めて演出に挑もうと思ったのはなぜですか。
冒険好きで、向こう見ずと言った方がいい性格だからかもしれないですね。未知の地に行って新しいコラボレーターと仕事をすることで、戯曲について必ず新しい発見があるものだし、それはお互いにとって、豊かな文化交流になるものなんですよ。同じ場所でも観光と仕事では、見え方はまったく異なるので、今回は新しい文化との対話ができる、非常に貴重な経験になる気がしています。 それにここ数年、僕の演出家仲間の何人かが日本で仕事をして、とてもいい時間を過ごせたと言っていることも、後押ししてくれました。しかも、蜷川幸雄さんが芸術監督だった劇場（シアターコクーン）からの招きですからね。 ロンドンで蜷川さんの演出作品をいくつか観て、僕はとても感銘を受けたんです。なんといっても、ビジュアル的に訴えかけてくるものがすごい。空間を壮大なスペクタクルとして描くことで、舞台に詩情があふれ出ているんです。つまり、作品が内包する感情を、非常に強く、大きく、視覚化することができているんですね。それは感情過多ということではなく、ある感情を、並外れた強度と美しさで描き出している、という意味です。そう、ちょうどこの(取材場所の庭園に流れる)滝のように、力強い美しさに満ちていて、一度見始めたら、目を逸らすのが難しくなるほど、観る者を没入させる催眠作用がある演出でした。
——英国演劇界にはいないタイプの演出家だったこともあり、英国でのニナガワの評価はほんとうに高いですね。では、サイモン・ゴドウィンは、どんなモチベーションから作品を創る演出家ですか。
そうですねぇ、できるだけ現代的に、同時代の観客に語りかけることを心がけています。古典であってもフレッシュで、ファニーなところもキープして、明るい陽の光と闇の間の、さまざまなコントラストをきちんと見せていくようにしています。「動き」も非常に重要視していて、俳優の身体のムーブメントを始め、そこで起こるアクションがすべて生き生きとして、物語全体が流動していくさまを見せることにこだわっています。英国の演劇は頭だけに偏りがちなので、そこから離れたい気持ちが、強いのかもしれません。
——以前はよく「英国の俳優は首から上しか動かさない」と揶揄されましたね。
そうなんです。ですから身体を使うことで、俳優たちが根強く持っているそうした演技方法を、いい意味で崩すことを考えています。部分ではなく全体的に身体をとらえ解放して、より自由に、想像力豊かに、遊び心を持って挑戦できるように、俳優を誘導しています。 だって、考えてみてくださいよ。自分以外の「別の誰かになる」って、とてつもなく異なる発想を実行に移す行為ですよ。たとえば僕が「日本人の通訳役」をやることになったら、頭で考えるだけではどうにもならない。首から下の身体も一緒に動員することで、何らかの手がかりを見つける可能性は、多少なりとも高まると思うんです。
——日本人がデンマークの王子ハムレット役をやるのも、相当タフな作業ということですね。『ハムレット』は、最近では２年前にオール・アフリカン・キャストで上演して評判になりましたね。
はい。西アフリカを舞台に設定したことで、戯曲のある部分、たとえば死者と生者の関係のありようが、英国よりも説得力をもって描けましたし、人がどんどん死んでゆく戯曲の展開も、政情が不安定で一触即発の気配がある西アフリカにすることで、リアリティが感じられました。 今回、日本の劇場サイドから「日本を設定にするのはやめてほしい」と言われたのが興味深かったんですが、僕自身も、まだ日本のことをよく知らないので、設定を日本に置き換えることは、賢明ではないと理解しています。こういうアイデアは、もっと日本をよく知ってからでないとね。 『ハムレット』については、17歳の時に高校でハムレット役をやったのが、最初の出会いなんです。ケンブリッジ大の学生だった19歳の時に初めて演出した作品も『ハムレット』でした。これは評判がよくて、韓国やワシントンD.C.でも上演されたんですよ。そう、それがきっかけで、演出家になったんです。あれから30年も経つのに、いまだに『ハムレット』に囚われているとはね(笑)。
——初めてハムレットを演じた時は、どんな気分でしたか。
シェイクスピアが、どれだけエネルギーと助けを自分にくれているかを実感しました。なんだかシェイクスピアに、とても歓迎されている気がしたんですよ。ハッピーなスタートでしたね。 これまで、いろいろな作家の作品を上演してきて、今年の夏もロンドンのナショナルシアターで現代作家の新作を演出することになっていますが、近年、自分の中で、またシェイクスピアへの想いが強まってきています。「いま僕の表現の”滝”は、シェイクスピアに向かっている！」という感じ。うーん、どうしてだろう。なんだか、シェイクスピアのことをとても素晴らしい仲間だと思えるんですよね。 蜷川さんは、シェイクスピアがいかにスプリングボード(＝飛躍のきっかけ)になり得るかということを、示してくれました。勇敢に挑めば、シェイクスピアと一緒に楽しく踊るようなことだってできるんだ、ということを教えてくれたんです。
——どんなに大胆な解釈による演出をしようと、シェイクスピアなら戯曲の本質が揺らいでしまうようなことはないと。
シェイクスピアには、ちょっと聖書のような趣があるとさえ思います。彼の戯曲の核には、とても大きな余白があって、「こうである」と断定することができないようになっているんです。ということは、俳優も演出家も観客も、その余白を埋めることを許されているわけで、そのために招かれ、劇場に集っているのではないかと思うんですよ。 『ハムレット』の最初のせりふは、「そこにいるのは誰だ」。「あなたは何者？」という問いかけがなされた瞬間から、何かが動き始め、変化してゆくドラマです。 「自分は何者なのか」というのは、おそらく誰もが一生、自分の中で問い続けることだと思います。ハムレットとともにそれを考え始めることで、俳優も演出家も観客も、確かなエネルギーをもらうことができるはずです。
取材・文／伊達なつめ 撮影／森山祐子
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| Simon Godwin (photo by Moriyama Yūko) |
Simon Godwin was interviewed by Otocoto last April for his stage play “Hamlet”. Thus, I’ve translated the Japanese interview below for us to understand Godwin’s vision on the 2019 Hamlet starring Okada Masaki, Kuroki Hana et al.
It’s worth noting another interview of Simon’s from Japan Times (30 April 2019), this time in English, with the director mentioning how Okada Masaki was the reason that he (Godwin) chose Hamlet as his first stage play in Japan. The Japan Times article can be read here.
Simon Godwin has come to Japan to direct Okada Masaki’s “Hamlet”
16 April 2019
Interview by Date Natsume
Translated by Icha
It will soon be three years after the passing of Ninagawa Yukio, a director who rightfully had the moniker of “The World of Ninagawa” and had been producing stage plays for around 10 years prior to his death. Now that the Maestro has passed away, the theatre world in Japan is facing a dearth of directors who cater for the masses. Yet, turns out, from such a darkness, some British theatre talents started to, and keep coming, to Japan to produce high quality stage plays along with Japanese actors and staff. Among such stage directors is the young champion, the highly esteemed Simon Godwin.
As the cherry blossoms bloomed, this bright gentleman came to Tokyo to produce “Hamlet” (starring Okada Masaki) as well as to pay tribute to Ninagawa (Yukio).
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| Simon Godwin (photo by Moriyama Yūko) |
Q: Why would you, who are very popular in your home country, like to work in Japan for the first time, for 1.5 months no less?
Perhaps because of my being adventurous and having no attachments to the results. By going to an unknown place and working with new collaborators, there will surely be new discoveries about the play. It would be an enriching cultural exchange for each party involved. Even in the same setting, the way we see things when sightseeing is completely different from when we’re working. Thus, because this time I’m able to interact with a new culture, I feel like it will be a very valuable experience.
Also, in the last few years, some of my colleague directors said how they had a great time while working on their projects in Japan, which did encourage me. Afterall, this invitation came from a theatre (Theatre Cocoon) whose artistic director was the late Ninagawa Yukio.
I was very impressed when I saw some of the works that Ninagawa directed in London. The visuals were appealing. By depicting space as a magnificent spectacle, poetry inundated the stage. In other words, we are able to visualise the emotions contained in his works, strongly, extraordinarily and in such a grand fashion. It doesn’t mean that you feel an excessive emotion. Rather, it means that the emotions are depicted with such rare intensity and beauty. Yes, just like this waterfall (flowing into the garden where the interview was conducted); brimming with such a powerful beauty. Once they notice it, viewers are immersed in its hypnotic performance that taking their eyes off it would be difficult.
Q: Because he wasn’t the usual type of director one would encounter in the UK theatre world, Ninagawa had such a high popularity in England, right? Then, from where do you source motivations for your directing work?
That’s true. I try to tell stories using modern approach to contemporary audience. I try to keep the classics fresh and funny and show the contrasts between the bright sunshine and darkness. “Movements” are also particularly important. Once the actor moves, from there all actions become alive. I’m very particular in showing the flow of the whole story. In British theatres, there is a tendency to focus just towards what’s going on in our head. Perhaps that's why we strongly want to impart emotions from there.
[Icha’s note: I think I might have mistranslated this “head” or 頭 thing. If it is so, I apologise. The original text for the last sentence above is英国の演劇は頭だけに偏りがちなので、そこから離れたい気持ちが、強いのかもしれません。]
Q: In the past, British actors are often teased for moving nothing but the neck upwards.
That's right. So by using the body, we are thinking about strongly deconstructing the actors’ acting methods in a good way. I’m inducing the actors to catch one’s own body – not part by part but the whole body – and release it; to have more freedom and imagination, to welcome the challenge playfully.
Yet, let’s think about it. It’s not just about “becoming someone else than me”. It’s a transformation into a totally different person. For instance, let’s say I want to be “a Japanese interpreter”. It’s not enough that I only think of it in my head. The clues of my being a Japanese interpreter should be enhanced by utilising the rest of my body from neck down.
Q: It’s also a considerably difficult task for a Japanese cast to play “Hamlet, Prince of Denmark”, isn’t it? Two years ago, your stage-play of an all-African cast of “Hamlet” gained quite a popularity, right?
Yes. By setting the stage in West Africa, parts of the play – for instance the relationship between the dead and the living – are painted with such conviction as opposed to that of an English setting. In West Africa, people are slowly dying and there are signs of the unstable and volatile political situations. The reality was thus very much felt.
This time, it was interesting that the Japanese theatre folks told me that they wish to “stop having the Japanese setting”. As for myself, since I don’t know much about Japan, changing the setting to Japanese would not be a wise thing to do. I have to know much more about Japan for such an idea to be possible.
Speaking of “Hamlet”, my first encounter with him was when I was 17 years old when I played Hamlet in senior high school. My first production was also “Hamlet”, at the Cambridge University when I was 19 years old. That play was quite popular; it was also staged in South Korea and Washington DC. Thirty years later, I’m still embracing “Hamlet”. (laugh)
Q: What did you feel when you first play Hamlet?
I was fully aware how much energy and assistance Shakespeare gave me. I somehow felt very much welcomed into Shakespeare. It was a happy start.
Until now, we have staged the works of various authors. Even this summer in the London National Theatre, we are producing a new work of a contemporary writer. Yet, in recent years, the thoughts for Shakespeare are getting stronger within me.
The feeling is like, “Now, my cascading expressions are heading to Shakespeare!”
Well… how shall I put it? Somehow, I think that Shakespeare is such a great companion.
Ninagawa set me an example how Shakespeare can become a spring board. If bravely challenged, we can have fun and dance with Shakespeare.
Q: No matter how bold the interpretation is, if it’s Shakespeare, the play’s essence remains faithful to the original
I think there is a bit of Biblical charm in Shakespeare. There is a large space at the core of his plays that it cannot be concluded as just “This is it!”. Thus, to that end, can’t the actors, the stage director and the spectators be invited to gather at the theatre and given permission to fill in that blank space?
The first line in “Hamlet” is “Who’s there?”. From the moment the question “Who are you?” is asked, everything starts to move and change the drama. Perchance, the question of “Who am I?” is something that everyone continues to ponder in his/her life. Together with Hamlet, we start to think of this. Be it the actor, the director or the spectators, they should be able to receive such a vibration.
Interview/story: Date Natsume
Photography: Moriyama Yūko
Icha’s note:
Ninagawa Yukio-san passed away on 12 May 2016, hence by the time I uploaded this article, it has been three years now since his passing. Click here for my article about Ninagawa-san.
In the Intro, I translated お客を呼べる as “to cater for the masses; let me know if this translation is incorrect.
Update 24 May 2019:
The following is Simon Godwin's encouraging comment on Okada Masaki's Hamlet:
サイモンさんニンゲン御破産観に来てたのね🎶 pic.twitter.com/u5Mwlz7lNQ— さくら (@sakurasakuhime) May 23, 2019
And this is a snippet of the Hamlet show, a promotion for Osaka's show. I wish the announcer didn't talk over Masaki's dialogs, but hey, better than not!
— さくら (@sakurasakuhime) May 23, 2019
Original text:
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| サイモン・ゴドウィン（撮影／森山祐子） |
岡田将生主演の『ハムレット』を演出するために、サイモン・ゴドウィンが日本にやってきた！
「世界のニナガワ」と呼ばれた演出家・蜷川幸雄が逝って、まもなく３年になる。蜷川は、晩年まで年間10本前後の舞台演出を手がけていたので、巨匠亡きいま、日本の演劇界は”お客を呼べる”演出家不足に直面中だ。 もっともそのお陰で、ここ数年英国演劇界の”旬”の才能が入れ替わり立ち替わり来日し、日本の俳優やスタッフと、ハイクオリティの舞台を創り出しているのも事実。サイモン・ゴドウィンは、そうした演出家の中で、もっとも高い評価を得ている若手エースだ。
岡田将生主演の『ハムレット』を演出するために、桜が咲き始めた東京にやって来た俊英は、ニナガワへオマージュを捧げることを忘れない、朗らかなジェントルマンだった。
——本国でも引く手あまたのサイモンさんが、ひと月半も腰を据えて日本で初めて演出に挑もうと思ったのはなぜですか。
冒険好きで、向こう見ずと言った方がいい性格だからかもしれないですね。未知の地に行って新しいコラボレーターと仕事をすることで、戯曲について必ず新しい発見があるものだし、それはお互いにとって、豊かな文化交流になるものなんですよ。同じ場所でも観光と仕事では、見え方はまったく異なるので、今回は新しい文化との対話ができる、非常に貴重な経験になる気がしています。 それにここ数年、僕の演出家仲間の何人かが日本で仕事をして、とてもいい時間を過ごせたと言っていることも、後押ししてくれました。しかも、蜷川幸雄さんが芸術監督だった劇場（シアターコクーン）からの招きですからね。 ロンドンで蜷川さんの演出作品をいくつか観て、僕はとても感銘を受けたんです。なんといっても、ビジュアル的に訴えかけてくるものがすごい。空間を壮大なスペクタクルとして描くことで、舞台に詩情があふれ出ているんです。つまり、作品が内包する感情を、非常に強く、大きく、視覚化することができているんですね。それは感情過多ということではなく、ある感情を、並外れた強度と美しさで描き出している、という意味です。そう、ちょうどこの(取材場所の庭園に流れる)滝のように、力強い美しさに満ちていて、一度見始めたら、目を逸らすのが難しくなるほど、観る者を没入させる催眠作用がある演出でした。
——英国演劇界にはいないタイプの演出家だったこともあり、英国でのニナガワの評価はほんとうに高いですね。では、サイモン・ゴドウィンは、どんなモチベーションから作品を創る演出家ですか。
そうですねぇ、できるだけ現代的に、同時代の観客に語りかけることを心がけています。古典であってもフレッシュで、ファニーなところもキープして、明るい陽の光と闇の間の、さまざまなコントラストをきちんと見せていくようにしています。「動き」も非常に重要視していて、俳優の身体のムーブメントを始め、そこで起こるアクションがすべて生き生きとして、物語全体が流動していくさまを見せることにこだわっています。英国の演劇は頭だけに偏りがちなので、そこから離れたい気持ちが、強いのかもしれません。
——以前はよく「英国の俳優は首から上しか動かさない」と揶揄されましたね。
そうなんです。ですから身体を使うことで、俳優たちが根強く持っているそうした演技方法を、いい意味で崩すことを考えています。部分ではなく全体的に身体をとらえ解放して、より自由に、想像力豊かに、遊び心を持って挑戦できるように、俳優を誘導しています。 だって、考えてみてくださいよ。自分以外の「別の誰かになる」って、とてつもなく異なる発想を実行に移す行為ですよ。たとえば僕が「日本人の通訳役」をやることになったら、頭で考えるだけではどうにもならない。首から下の身体も一緒に動員することで、何らかの手がかりを見つける可能性は、多少なりとも高まると思うんです。
——日本人がデンマークの王子ハムレット役をやるのも、相当タフな作業ということですね。『ハムレット』は、最近では２年前にオール・アフリカン・キャストで上演して評判になりましたね。
はい。西アフリカを舞台に設定したことで、戯曲のある部分、たとえば死者と生者の関係のありようが、英国よりも説得力をもって描けましたし、人がどんどん死んでゆく戯曲の展開も、政情が不安定で一触即発の気配がある西アフリカにすることで、リアリティが感じられました。 今回、日本の劇場サイドから「日本を設定にするのはやめてほしい」と言われたのが興味深かったんですが、僕自身も、まだ日本のことをよく知らないので、設定を日本に置き換えることは、賢明ではないと理解しています。こういうアイデアは、もっと日本をよく知ってからでないとね。 『ハムレット』については、17歳の時に高校でハムレット役をやったのが、最初の出会いなんです。ケンブリッジ大の学生だった19歳の時に初めて演出した作品も『ハムレット』でした。これは評判がよくて、韓国やワシントンD.C.でも上演されたんですよ。そう、それがきっかけで、演出家になったんです。あれから30年も経つのに、いまだに『ハムレット』に囚われているとはね(笑)。
——初めてハムレットを演じた時は、どんな気分でしたか。
シェイクスピアが、どれだけエネルギーと助けを自分にくれているかを実感しました。なんだかシェイクスピアに、とても歓迎されている気がしたんですよ。ハッピーなスタートでしたね。 これまで、いろいろな作家の作品を上演してきて、今年の夏もロンドンのナショナルシアターで現代作家の新作を演出することになっていますが、近年、自分の中で、またシェイクスピアへの想いが強まってきています。「いま僕の表現の”滝”は、シェイクスピアに向かっている！」という感じ。うーん、どうしてだろう。なんだか、シェイクスピアのことをとても素晴らしい仲間だと思えるんですよね。 蜷川さんは、シェイクスピアがいかにスプリングボード(＝飛躍のきっかけ)になり得るかということを、示してくれました。勇敢に挑めば、シェイクスピアと一緒に楽しく踊るようなことだってできるんだ、ということを教えてくれたんです。
——どんなに大胆な解釈による演出をしようと、シェイクスピアなら戯曲の本質が揺らいでしまうようなことはないと。
シェイクスピアには、ちょっと聖書のような趣があるとさえ思います。彼の戯曲の核には、とても大きな余白があって、「こうである」と断定することができないようになっているんです。ということは、俳優も演出家も観客も、その余白を埋めることを許されているわけで、そのために招かれ、劇場に集っているのではないかと思うんですよ。 『ハムレット』の最初のせりふは、「そこにいるのは誰だ」。「あなたは何者？」という問いかけがなされた瞬間から、何かが動き始め、変化してゆくドラマです。 「自分は何者なのか」というのは、おそらく誰もが一生、自分の中で問い続けることだと思います。ハムレットとともにそれを考え始めることで、俳優も演出家も観客も、確かなエネルギーをもらうことができるはずです。
取材・文／伊達なつめ 撮影／森山祐子
